Una de las estrellas más importantes de la Era Dorada de Hollywood, y probablemente el protagonista del cine negro por excelencia (junto a Edward G. Robinson, por supuesto), Humphrey Bogart creció en un período caótico de la historia estadounidense en una familia de clase media alta que tenía grandes expectativas. Recorrió diferentes carreras profesionales, siendo la más famosa la de marinero militar, donde, según se informa, obtuvo su característica cicatriz facial (aunque la historia exacta es objeto de debate).
Finalmente encontró un lugar en la escena teatral de Nueva York, donde causó sensación y finalmente consiguió trabajos en cine y radio, aunque no era visto como material protagonista. Fue relegado a gánsteres y psicópatas durante la mayor parte de los años 30 durante su contrato con Warner Bros. Pero sucedió algo extraño, mientras que los ejecutivos del estudio no lo apreciaban, los críticos y el público escribieron sus elogios, y una próxima estrella que sufría de arrogancia, George Raft (Scarface), allanó accidentalmente la trayectoria de Bogart; Raft rechazó papeles en “High Sierra” (1941) y “The Maltese Falcon” (1941). Bogart asumió ambos papeles, lo que lo convirtió en uno de los protagonistas más interesantes de la nómina de Warner.
El famoso novelista Raymond Chandler dijo de Humphrey Bogart: “Todo lo que tenía que hacer para dominar una escena era entrar en ella”. Y ahí radica la atracción: era un hombre de aspecto extraño, pero la cámara lo amaba, y él realmente sabía cómo controlarla, a medida que pasó de pequeños papeles que robaban escenas en la década de 1930 a papeles importantes en la década de 1940, a un fuerte pero breve período en los años 50, antes de su prematura muerte por cáncer en 1957.
Bogart era una presencia real que podía desempeñar cualquier tipo de papel, aunque su característico personaje alfa tosco es lo que más lo recuerda, en películas sísmicas como “Casablanca”, “El tesoro de la Sierra Madre”, “Cayo Largo”, “El gran sueño”, “La reina de África” y “Tener y no tener”. Pero el hombre fue capaz de interpretar cualquier cosa, desde comedia hasta romance, los hitos son tan grandes que uno se olvida del resto, exploremos algunas de esas otras gemas ocultas que entregó durante su breve pero legendario paso por la cima…
1. Callejón sin salida (1937)
Después de causar finalmente una impresión considerable en la crítica y el público con “El bosque petrificado” (1936), Bogart había comenzado a generar algo de presión. Este proyecto estaba destinado a ser una plataforma de lanzamiento para Dead End Kids y los protagonistas románticos Joel McCrea y Sylvia Sidney, desafortunadamente para ellos (pero no para nosotros), Bogart básicamente se hace cargo de toda la película en el papel de villano.
Ambientada en el transcurso de un día en los barrios marginales ribereños de Nueva York que los ricos están aburguesando. Seguimos tramas que se cruzan, la de un grupo de niños sin salida (interpretados por… bueno, los Dead End Kids), un arquitecto fracasado (McCrea) y un romance con una chica del vecindario (Sidney). Lo más fascinante, sin embargo, es la historia que presenta a un infame matón (Bogart) que regresa al vecindario.
Si bien Bogart es la trama B, similar a los eventos de “El bosque petrificado”, su historia de villano logra secuestrar el proceso, mientras su gángster atraviesa un arco de orgullo arrogante hasta una amarga decepción, esperando que le desplieguen la alfombra roja a su regreso, en lugar de eso, encuentra a una madre que odia en lo que se ha convertido, y los intentos de reavivar un amor de la infancia solo lo llevan a que ella lo exprima para sacarle dinero. Cae en espiral por un camino autodestructivo y todo da sus frutos en un final increíblemente filmado.
El atractivo de la película ciertamente se ve favorecido por el hecho de que fue dirigida por William Wyler (Ben-Hur, The Desperate Hours) y filmada por Greg Toland (Citizen Kane), visualmente es absolutamente impresionante, especialmente cuando el sol se pone en las viviendas y los dos pintan el escenario con luz. La persecución/tiroteo entre Bogart y McCrea al final es inventiva y cautivadora debido a la creatividad que se muestra entre los colaboradores.
Si bien en el pasado fue nominada al Oscar a la Mejor Película, en retrospectiva se olvida, probablemente debido a que Bogart no era la estrella principal. Aún así, desde que tenía más de 30 años, cuando se estaba construyendo una reputación como un enigmático jugador en pantalla, este es probablemente uno de los mejores, junto con títulos más conocidos como “Los locos años veinte” y el ya mencionado “El bosque petrificado”.
2. Legión Negra (1937)
El mismo año que “Dead End” se estrena este impresionante papel protagonista de Bogart, una película que trata un tema muy candente para la época, basada en hechos reales. Es un reloj esencial para su período previo al estrellato.
Bogart interpreta a un honesto trabajador de una fábrica y hombre de familia en un pequeño pueblo de Estados Unidos, que se vuelve amargado debido a que un inmigrante polaco lo rechazó para un ascenso. Cae en manos de la Legión Negra, una rama del Ku Klux Klan, y sigue un camino cargado de fatalidades mientras lo manipulan de la peor manera posible.
Después de años de interpretar papeles secundarios comodines, este fue realmente el primer papel protagonista adecuado que consiguió Bogart y, como era de esperar, es cautivador. Seguimos a este hombre serio, a medida que se vuelve cínico y violento, dándole la espalda a su familia y amigos, pero somos capaces de simpatizar y comprender cada paso oscuro hacia adelante. El poder de Bogart como intérprete está en plena exhibición, mientras que la mayoría de sus compañeros populares se apoyaban en la teatralidad y el talento para el espectáculo, él fue capaz de ofrecer una actuación que se siente real y identificable, sin rehuir la fealdad, mientras recalca una coda trágica en la escena final de la película. Es desconcertante que no haya recibido ofertas después de esta película, pero también fue un actor adelantado a su tiempo, y ese tiempo necesitaba ponerse al día.
Archie Mayo (El bosque petrificado) dirige, y de todos los colaboradores habituales de Bogart, fue el menos interesante visualmente; sin embargo, sabía simplemente apuntar la cámara al actor y no dejar que otras cosas se interpusieran en su camino, lo que esencialmente resultó en una exhibición de sus inicios en la actuación.
Curiosamente, Michael Curtiz (Casablanca, No somos ángeles) haría un trabajo secundario en la película, convirtiéndola en la primera colaboración no oficial, de ocho, con el actor.
3. Toda la noche (1942)
En 1941, Bogart había disfrutado del éxito de crítica y taquilla; sin embargo, Warner todavía estaba tratando de descubrir qué hacer con él. Esto lo llevó a ser elegido para esta comedia/thriller absolutamente desconcertante, extraña e increíblemente divertida que vio al actor en un equipo completamente diferente al que estamos acostumbrados (nota interesante; este era otro papel más que George Raft había rechazado).
Bogart interpreta a un simpático mafioso y jefe de pandilla, cuya cómoda existencia se ve alterada cuando su panadero favorito termina muerto y no está dispuesto a dejar la justicia en manos de la policía. En el transcurso de una noche demente, se ve arrastrado a una espiral de complot que involucra a espías, mujeres fatales, aristócratas extranjeros e incluso los propios nazis.
Dirigida por Vincent Sherman, después de que Bogart tuviera la desagradable experiencia de hacer “El regreso del Doctor X” (1939) con él (la única película en la que Bogart interpretó a un monstruo de terror), esta colaboración, sin embargo, fue una experiencia agradable para ambos, y el sentimiento es contagioso desde el salto. A pesar de los adornos de la comedia, Sherman filma la película como un misterio de nivel A, con una iluminación nítida y escenas de acción fuertemente ejecutadas. El humor proviene de fuera de la página, el diálogo de ametralladora, la trama tonta y el elenco que está totalmente involucrado en la broma.
Sorprendentemente, este casting de Bogart no es una reorganización de 180, esencialmente está interpretando a su simpático pícaro característico, pero en un tipo de película completamente diferente, y cuando se supone que debe ser divertido, lo mata absolutamente (con una escena destacada en la que habla en dialecto alemán cuando está en una reunión nazi clandestina). El conjunto también es increíble, con el veterano del Halcón Maltés, Peter Lorre, y uno de los primeros Jackie Gleason, entre muchos otros.
La película desconcertó al público en su estreno, pero se perdió en la confusión, como era de esperar, pasando del thriller de misterio a la comedia y a la acción de espías, pero se mantiene firme y realmente se mantiene a los ojos modernos, siendo esta probablemente la recomendación más fuerte de esta lista.
4. Sáhara (1943)
En ese momento, la Segunda Guerra Mundial estaba en pleno apogeo y Hollywood estaba haciendo todo lo posible para hacer películas que elevaran la moral con sus grandes estrellas como Gary Cooper y John Wayne. Bogart realmente no encajaba en ese molde, pero queriendo un cambio de ritmo, aceptó ese tipo de trabajo y, sorprendentemente, encaja en la tarea como guante.
Ambientado en el desierto del norte de África, Bogart es el comandante de un escuadrón de tanques, mientras se retiran de una feroz derrota y reúnen a supervivientes heterogéneos en el camino. De repente, las cosas se convierten en una misión decidida para llegar a un lugar seguro mientras son perseguidos por un implacable batallón de alemanes, sin mencionar el calor abrasador, los suministros cada vez más escasos y la falta de agua.
Bellamente filmada por Zoltan Korda (Las cuatro plumas), esta es una película de guerra sencilla, cruda y sudorosa que tiene un elenco fuerte que rebota entre sí mientras todos los elementos actúan en su contra. Es tenso, apasionante y, a veces, efectivamente emocional (los momentos finales de Angelo D’Angelo me vienen a la mente como poderosamente desgarradores).
Toda la pieza está anclada por Bogart, interpretando al capitán duro pero cansado, un hombre que tiene la responsabilidad de todo su equipo sobre sus hombros, y el actor se adapta al papel con facilidad; su personalidad brusca y su actitud sensata sellan el trato como un hombre de autoridad que oculta conflictos internos. Si bien hizo algunas películas más de primera línea (Al otro lado del Pacífico, Pasaje a Marsella), esta fue probablemente la mejor y la que valió la pena desenterrar, con acción fuerte, hermosas fotografías en blanco y negro y un patetismo emocional efectivo.
5. Conflicto (1945)
A principios de los años 40, Bogart finalmente era un protagonista muy solicitado. La Warner lo contrató para hacer este elegante Noir, filmado en 1943, alrededor del estreno de Casablanca. Bogart personalmente odió la experiencia de filmar, probablemente debido a problemas personales estrechamente relacionados en ese momento, y el estudio casi la enterró. Afortunadamente, eso no sucedió, porque es una historia moral deliciosamente oscura y chispeante.
Bogart interpreta a un marido cansado en un matrimonio tóxico; su esposa (interpretada por Rose Hobart) no le permite divorciarse de ella, por lo que toma el asunto en sus manos y la saca de esta espiral mortal, encubriéndolo como un crimen perfecto. Sin embargo, a medida que pasa el tiempo, comienza a atormentarse por la posibilidad de que ella viviera, sin mencionar la incesante curiosidad del astuto investigador de Sydney Greenstreet.
Bogart estaba atravesando un divorcio notoriamente complicado durante el rodaje y, francamente, esta película le llegó demasiado cerca. Sin embargo, esto es lo que lo hace fascinante, ya que probablemente sea uno de sus más personales: el amargo conflicto entre la pareja casada en el primer acto nos permite asomarnos a su propia experiencia. Su marido vacío es una cáscara de hombre, amargado y malhumorado, pero, como siempre, Bogart lo hace fascinante de ver, mientras su mundo se desmorona y sus escenas del gato y el ratón con su colaborador habitual Greenstreet son ardientes y tensas.
Curtis Bernhardt (Possessed) dirige y, a diferencia de varios de sus compatriotas cinematográficos, como Fritz Lang y Robert Siodmak, que huyeron de Alemania a Hollywood antes de la Segunda Guerra Mundial, no alcanzó el mismo nivel de éxito en Estados Unidos. Es una gran lástima porque es absolutamente deslumbrante detrás de la cámara, la película rezuma tensión y pavor desde el primer momento, con movimientos de cámara impresionantes y una iluminación elegante que brilla en la pantalla, lo que lo convierte en un thriller negro oculto que necesita más apreciación, incluso si la apreciación no fue compartida por la propia estrella.
Credit Post By: Thor Magnusson