Cate Blanchett en Cannes – Blog

por Elisa Giudici

Cate Blanchett. Foto © Elisa Giudici

Cate Blanchett vino a Cannes aparentemente para destacar la Fondo de Cine de Desplazamiento, la iniciativa que cofundó con ACNUR para apoyar a cineastas desplazados e historias sobre migración forzada. Pero la conversación rápidamente se expandió hacia algo más amplio: una reflexión aguda, divertida y profundamente reflexiva sobre la actuación, la autoría, la inteligencia artificial, el riesgo artístico y el estado cambiante del cine en sí…

Vestida de negro y con gafas de sol de color salmón de gran tamaño, sacadas directamente de la década de 1970, Blanchett se movía fácilmente entre el humor autocrítico y la crítica seria de la industria. ella habló sobre Villancico Alguna vez fue vista como una propuesta comercial peligrosa, descrita Depósito no como una “película de la cultura de la cancelación”, sino como una película sobre la brutalidad de la creación artística, elogió a Todd Haynes y Martin Scorsese como directores que construyen mundos cinematográficos enteros alrededor de los actores y argumentó que el mayor problema con la IA es, en última instancia, una palabra: consentimiento.

A continuación se presentan algunos aspectos destacados de la conversación.

Sobre presidir el jurado de Cannes en 2018

De hecho, estaba muy nervioso por aceptar el papel. Recuerdo haber llamado previamente a Guillermo del Toro y preguntarle: ‘¿Cómo lo hiciste?’ Y me dio este consejo sorprendentemente simple. Dijo: “Asegúrate de llegar primero todos los días y sentarte en un asiento diferente cada vez”. Suena banal, pero en cualquier habitación, la persona que habla primero suele dar forma a toda la conversación. Cambiar de asiento cambiaba constantemente la dinámica.

Una de las cosas que me di cuenta rápidamente es que juzgar películas no tiene nada que ver con el gusto personal. Su responsabilidad es comprender lo que el cineasta intenta hacer, no si se alinea con sus propias sensibilidades. A veces, una película no conectaba conmigo del todo al verla por primera vez y otro miembro del jurado la defendía apasionadamente como una obra maestra. Así que volvería a la mañana siguiente y lo vería de nuevo. Ese fue uno de los grandes regalos de la experiencia. Aprendes que a veces simplemente no estás preparado todavía para recibir una película. La escucha profunda se vuelve increíblemente importante. No puedes llegar con una agenda.

El jurado en sí fue extraordinario. Venimos de orígenes artísticos y países completamente diferentes, pero todos estaban muy atentos no sólo a la interpretación o la dirección, sino también a la edición, la cinematografía, el diseño de producción: cada elemento de la realización cinematográfica. Ese nivel de conversación fue estimulante.

Y hay algo extrañamente hermoso en el secreto del proceso. Cannes se toma muy en serio las deliberaciones. Una vez finalizadas las proyecciones, literalmente impiden que la gente se vaya para que el jurado pueda permanecer completamente aislado. Era casi como formar parte de una sociedad secreta”.

sobre por qué Villancico alguna vez me sentí “peligroso”

“Nadie quería financiar a Carol. Lo cual parece absurdo ahora porque es una historia de amor profundamente romántica y universal. Pero en ese momento se consideró arriesgada simplemente porque se centraba en una relación no heterosexual. Lo extraordinario de El precio de la sal de Patricia Highsmith fue que ofrecía a esos personajes un final feliz. Eso era increíblemente raro en historias como esa.

No era necesario ser gay para conectarse con la película. Se trataba de deseo, miedo, vulnerabilidad, anhelo. Fue una relación profundamente humana. Y creo que el público estaba mucho más preparado para esas narrativas que la industria. Ahora se ven películas con relaciones queer en el centro que se estrenan en los principales festivales sin ser tratadas como excepciones o historias de “interés especial”. Ese cambio es muy importante”.

En Depósito y la interpretación de “cancelar la cultura”

“Nunca vi a Tár como una película sobre la cultura de la cancelación. Para mí fue una meditación sobre el poder y la brutalidad del proceso creativo. Lydia Tár es alguien que es profundamente brutal consigo misma antes de ser brutal con cualquier otra persona, y creo que la violencia inevitablemente se exterioriza. La creación a menudo implica destrucción. Esas dos energías coexisten constantemente. No hay realmente una separación entre ellas.

Lo que me fascinó fue ver a alguien que había construido toda su identidad en torno al control, de repente perder ese control. Alguien que había vivido completamente dentro de un estado de maestría y precisión, de repente experimentó un colapso. Esa interrupción del flujo fue artísticamente fascinante para mí”.

Sobre una extraña fábula que del Toro le contó recientemente

“Guillermo del Toro me contó hace poco esta extraña historia, una especie de fábula francesa sobre el imbécil que se declara el órgano más importante del cuerpo. Todos los órganos empiezan a discutir sobre quién importa más: el corazón dice que es el centro de la emoción, el cerebro afirma que es inteligencia, los pulmones hablan de respiración e inspiración. Entonces el imbécil dice: ‘Intenta hacerlo sin mí’. Entonces se apaga y todo el cuerpo colapsa.

La cuestión es que incluso las fuerzas desagradables o difíciles tienen una función. En el arte, frustración, conflicto, desilusión. Esas cosas son a menudo las que producen algo interesante o hermoso. Luchas con ellos. A veces necesitas resistencia”.

Sobre lo que separa a un gran director de los demás

“Creo cada vez más que un gran director es alguien que sabe exactamente dónde colocar la cámara. A veces estás en el set y algo se siente mal. No porque la actuación esté mal, sino porque la perspectiva está equivocada. La cámara no está en el lugar correcto. Marty Scorsese habla de esto constantemente: que dirigir se trata fundamentalmente de saber dónde colocar la cámara.

Otros directores construyen mundos imaginativos completos en torno a los actores. Todd Haynes, por ejemplo, crea listas de reproducción para cada actor. Comparte películas, referencias visuales, música, atmósferas. Entras en el paisaje mental de la película incluso antes de comenzar a filmar. Es increíblemente generoso en la forma en que comparte la arquitectura emocional de la película.

Scorsese se comunica de manera similar, pero a menudo a través del propio cine. En El aviador me proyectó comedias excéntricas como Bringing Up Baby and His Girl Friday porque quería que yo absorbiera ese ritmo, esa velocidad, ese ataque. No necesariamente lo explicó intelectualmente. Él quería que lo sintieras. Y creo que los mejores directores también conocen sus limitaciones. Saben en qué son fuertes y forman equipos a su alrededor que compensan aquello en lo que no son fuertes. El cine es profundamente colaborativo”.

Sobre prepararse para interpretar a Bob Dylan

“Mientras terminaba Elizabeth: The Golden Age estaba constantemente viendo el documental de Pennebaker Bob Dylan porque sabía que estaba a punto de volar a Montreal y comenzar a filmar I’m Not There. Recuerdo que entré en pánico porque pensé que no me había preparado lo suficiente. Sentí como si estuviera pasando directamente de un papel enorme a otro sin suficiente espacio en el medio.

Pero debo haber absorbido todo por ósmosis porque mi cuerpo estaba cambiando para el papel, vivía con todas esas imágenes todos los días, y finalmente llegas al set y te das cuenta de que la preparación solo te lleva hasta cierto punto.

En cierto punto tienes que dejar todo eso atrás porque nadie quiere ver tus tareas en pantalla. El verdadero trabajo comienza cuando entras en la atmósfera que el director ha creado, cuando te pones el disfraz, cuando empiezas a responder a los demás actores y al entorno que te rodea”.

Sobre Woody Allen, jazmín azuly los consejos de Penélope Cruz

“Con Woody Allen a menudo tenías una o dos tomas y luego seguías adelante. Penélope Cruz me dio este maravilloso consejo antes de Blue Jasmine. Me dijo: ‘Si quieres otra toma, échale la culpa al acento’. Como Woody no hablaba español, aparentemente siempre pedía otra toma debido a su acento.

Entonces comencé a hacer lo mismo. Yo decía: ‘Lo siento, ¿puedo hacer eso de nuevo? Estropeé el acento. A veces así era como conseguías una tercera toma. Pero también había algo emocionante en ese nivel de urgencia. Si todos saben que no hay tiempo, todo el set entra en una especie de concentración colectiva que parece casi teatral. Todos se encierran juntos. Y cuando funciona, es electrizante”.

Sobre elegir roles que la sorprendan

“Los únicos papeles que realmente me interesan son aquellos en los que pienso: ‘Nunca me imaginé haciendo eso’. Interpretar a Isabel I cuando todavía era básicamente una actriz australiana desconocida cambió todo para mí porque nadie esperaba que hiciera eso. Más tarde, interpretar a Bob Dylan resultó igualmente desestabilizador de la mejor manera posible. Esos son los proyectos que te obligan a adentrarte en territorios inesperados. Te empujan a un lugar al que no sabías que podías ir.

Realmente no pienso en mantener una cierta imagen o coherencia en mi carrera. Estoy mucho más interesado en la curiosidad. Si puedo sentir con demasiada claridad en qué se convertirá algo antes de empezar, a menudo pierdo el interés. Los únicos papeles que realmente me interesan son aquellos en los que pienso: “Nunca me imaginé haciendo eso”. “

Sobre el equilibrio entre la actuación y la maternidad

“Tengo cuatro hijos y una vida muy plena fuera del cine, así que a veces mis elecciones también son prácticas. En parte, es por eso que he hecho grandes papeles protagónicos y pequeños papeles secundarios al mismo tiempo en mi carrera. A veces sólo quiero entrar en un proyecto durante unas semanas, contribuir con algo y desaparecer de nuevo. Me gusta ser parte de conjuntos. Me gusta entrar y salir de las cosas. Realmente nunca quise que toda mi identidad existiera sólo dentro de la industria. Amo mi jardín. Amo mi vida familiar. Hay muchas cosas fuera del cine. actuar que son profundamente importantes para mí y creo que mantener ese equilibrio es saludable”.

Sobre la solidaridad femenina en la industria

“Cuando entré en la industria, existía esta narrativa tóxica de que las mujeres eran inevitablemente rivales. Era una mentira. Nos animaban a vernos competitivamente porque, en primer lugar, se ofrecían muy pocas oportunidades a las mujeres. Lo que veo ahora es actrices produciendo películas, dirigiendo, creando oportunidades para mujeres más jóvenes, apoyando a cineastas emergentes. Los guiones escritos por mujeres siempre existieron. El problema era que no se hacían ni se distribuían adecuadamente.

Creo que mi generación es muy consciente del entorno del que venimos y muy decidida a no replicarlo. Ahora hay mucha más tutoría, mucho más apoyo activo, mucho más deseo de ayudar a otras personas a entrar en la sala. Y sinceramente una de las cosas más apasionantes es el intercambio entre generaciones. Mi hijo trabaja en la industria y constantemente me presenta a cineastas, músicos y artistas que no conozco. Esa conversación intergeneracional es increíblemente energizante”.

Sobre la IA y el futuro del cine

“La cuestión central con la IA es el consentimiento. La IA es inevitable, pero el público necesita saber qué es real y qué no. El consentimiento humano tiene que permanecer en el centro de la conversación. He estado trabajando con un grupo llamado RSL Media que está tratando de desarrollar un estándar de consentimiento legible por máquina. La idea es muy simple: rojo significa que no se ha dado consentimiento, ámbar significa que se puede solicitar el consentimiento a través de ciertos canales, verde significa que se ha otorgado permiso para usar la imagen, la voz, el trabajo o la imagen de alguien.

“Por el momento, los sistemas de IA no entienden inherentemente el consentimiento humano, y eso es profundamente peligroso. La innovación puede coexistir absolutamente con la creatividad humana, pero no si la transparencia desaparece. No soy alguien que use mucho la IA en mi vida diaria. Prefiero leer un libro o salir a caminar, pero obviamente se convertirá en parte de todas nuestras vidas. Es exactamente por eso que estas conversaciones deben ocurrir pública y claramente”.

Sobre si todavía puede ver películas simplemente como espectadora

“Absolutamente. Creo que disfruto las películas incluso más ahora que cuando era más joven. Al principio de mi carrera veía películas analíticamente. Intentaba constantemente comprender qué hacía cada departamento, qué se había cortado, cómo se ensamblaban las escenas, cómo se moldeaban las interpretaciones en el montaje.

Ahora me entrego mucho más completamente al cine. Todavía lloro, río, me asusto. Soy una gran audiencia. Creo que es importante preservar tu capacidad de asombro. Si pierdes eso, tal vez no deberías seguir haciendo esto”.

más de cannes