Cada año, el Festival de Cine de Cannes reúne a nueve cineastas (directores, escritores, actores y artesanos respetados) para juzgar la competencia principal. Como sugiere el formato, los resultados varían. No sorprende que se filtren chismes sobre disputas y desacuerdos entre jurados. Algunos jurados de Cannes son más armoniosos que otros. Algunos años son famosos por los ataques que surgieron entre el público.
El tiempo también cambia de perspectiva. Una película muy querida o incluso amada puede desvanecerse mientras la ganadora del Gran Premio asciende al estatus de clásico. Algunos ganadores de la Palma de Oro son favoritos unánimes y son la comidilla de la ciudad hasta que la ceremonia lo hace oficial. Otros son elecciones surgidas de la nada que muestran cuánto difiere el discurso de los gustos del jurado. Otras, muchas de las películas de esta lista, son elecciones inesperadas (bastante respetables y queridas, pero algo tibias) que reflejan un jurado dividido que negocia sensibilidades encontradas.
Todo lo cual quiere decir que la mejor película no siempre gana, y este siglo está repleto de películas a las que se les negó la máxima Palma, pero que han crecido en estatura a medida que la película que las superó se convierte en una nota a pie de página en la historia del cine. Algunos desaires fueron evidentes entonces, otros sólo más tarde. Pero aquí hay 10 películas que deberían haber ganado la Palma de Oro este siglo.
1. Paseo Mulholland (2001)
La Palma de Oro de 2001 fue para La habitación del hijo, el drama de Nanni Moretti sobre una familia que se enfrenta al dolor tras un trágico accidente. No es difícil ver por qué ganó Moretti. Es un pilar de Cannes y una figura reconocida del cine europeo que ofreció exactamente el tipo de drama dulce y tierno que se consideraba cine de alto nivel en ese momento. Pero la competencia era fuerte e incluía una película citada a menudo como la mejor película del siglo.
Esa película fue Mulholland Drive. En retrospectiva, es difícil argumentar que The Son’s Room es un mejor ganador que el fallido piloto de televisión de David Lynch convertido en fantasmagoría de sueños febriles del pasado y el futuro de Hollywood. La película de Moretti era ligera y suave con un pie firme en los años 1990. La película de Lynch fue un viaje a través del espacio y el tiempo que continúa generando debates e invitando a innumerables revisiones. Es alternativamente intrigante, aterrador e inquietante, y si la presencia de videos teóricos de YouTube es una indicación, seguirá siendo un misterio al que el público regresará durante mucho tiempo.
2. Irreversibles (2002)
El jurado de Cannes no es inmune a los empates, por lo que algunas entradas en esta lista tienen menos que ver con darle la Palma de Oro de una película a otra y más con compartir el amor, o al menos sugerir una elección igualmente válida. Es difícil argumentar contra El Pianista, incluso teniendo en cuenta el Roman Polanski, pero la selección de 2002 tuvo una serie de películas estilísticamente atrevidas que al menos podrían haber compartido el premio o justificado que El Pianista se fuera a casa con un Gran Premio. Tres de las entradas posiblemente más emocionantes e innovadoras regresaron a casa con las manos vacías: la maravilla única Russian Ark, la obra maestra meta musical 24 Hour Party People y el infame Irreversible de Gaspar Noe.
Si bien la locura anárquica de 24 Hour Party People sería una elección inspirada, esta tragamonedas es para Irreversible. Dadas las huelgas y el vitriolo que recibió la película, la idea de recibir la Palma de Oro habría sido impensable en ese momento, y su nihilismo y violencia gráfica continúan repeliendo y asustando a los espectadores. Pero también es el trabajo de un cineasta técnicamente inventivo que cuenta una narrativa cohesiva y demoledora de una manera que trasciende los trucos. Su presunción central podría ser que el tiempo lo destruye todo, pero su violencia gráfica también sirvió como un poderoso antídoto contra la glorificación de la violencia en Hollywood. Puede que no sea un espectáculo agradable, pero es formidable de la mano de uno de los cineastas más apasionantes y hábiles de la época.
3. Viejo (2004)
Oldboy de Park Chan-wook es ahora un clásico. La escena del pasillo ha sido imitada y replicada, pero rara vez o nunca superada, y su misterio central continúa confundiendo a nuevos espectadores. Perdió la Palma de Oro ante Fahrenheit 9/11, una elección tan ampliamente considerada política que el presidente del jurado, Quentin Tarentino, tuvo que insistir públicamente en que fue una elección unánime del jurado basada en el mérito cinematográfico de la película. Para ser justos, conceder Fahrenheit el 11-S, por razones políticas o no, fue una elección audaz que enfatizó la ilegalidad y brutalidad de la invasión de Irak por parte del gobierno estadounidense posterior al 11-S.
Pero no fue la mejor película de la competición, y si la película de Moore se estrenara hoy, sería más probable que se estrenara en YouTube que en la Croisette. Si bien 2004 tuvo otros contendientes dignos como Wong Kar-wai, Lucretia Martel y Shrek 2, no se puede negar que Oldboy ocupa un lugar en los cánones cinematográficos modernos que une el cine de autor y la taquilla. Es una película propulsora, oscura e impactante que atrapa al público y nunca lo suelta hasta su retorcido final. Hubo muchos trabajos geniales e importantes ese año, pero Oldboy fue probablemente el más duradero de todos.
4. El laberinto del fauno (2006)
No se supone que todos los ganadores de Cannes sean necesariamente los más grandes, alocados y memorables de su año. Después de todo, parte del poder del festival está en elevar películas que de otro modo podrían haber pasado desapercibidas –particularmente para el público europeo y estadounidense– si no fuera por ese impulso dorado. Pero El Laberinto del Fauno fue un logro cinematográfico tan destacado, un hermoso trabajo de imaginación que transformó algunas de las imágenes y temas más oscuros de la posguerra en algo a la vez fantástico y horroroso, que su desaire (no ganó nada) es toda una injusticia.
El primer premio de ese año fue para The Wind That Shakes the Barley de Ken Loach, un digno ganador que finalmente otorgó a Ken Loach la tan esperada Palma de Oro. Sin desmerecer ese trabajo, no sería demasiado pedir que el premio se hubiera repartido entre dos películas que recorren un terreno similar aunque de maneras muy diferentes. De hecho, otorgar el premio a dos películas centradas en guerras pasadas que rezumaban relevancia para sus audiencias contemporáneas habría honrado a dos películas excelentes y al mismo tiempo habría hecho el tipo de declaración que otros jurados estaban desesperados por hacer.
5. Melancolía (2011)
Se especula ampliamente que Lars von Trier logró salir de una segunda Palma de Oro y convertirse en persona non grata durante la conferencia de prensa de Melancholia, enviando el primer premio a Tree of Life de Terrence Marlick. La idea de que la Palma de Oro estuviera entre una película sobre el nacimiento de la vida y una película sobre su fin es divertida, pero incluso en una lista de competencia que incluía Érase una vez en Anatolia, el futuro ganador del Oscar The Artist, The Skin I Live In, Sean Penn como un ídolo gótico que caza nazis en This Must Be the Place y We Need to Talk About Kevin, el legítimo ganador se cierne sobre todos ellos como un planeta que se sale de su órbita.
Melancholia es una gran historia en pequeña escala, la historia de las hermanas Justine (Kirsten Dunst) y Claire (Charlotte Gainsbourg) que se enfrentan al fin del mundo. La boda de Justine ya es un desastre antes de la noticia de que un planeta rebelde está en curso de colisión con la Tierra. Las reacciones de las hermanas forman la esencia de la historia de von Trier: Justine, crónicamente deprimida, muestra una calma inquietante, mientras que Claire, normalmente sensata, no puede evitar negociar y desesperarse. La melancolía es habitualmente celebrada como una de las manifestaciones cinematográficas más precisas de la depresión, y esto sería suficiente para garantizar su continua relevancia si no fuera por la pura belleza de la película. Como un cuadro infernal de Bosch animado en cámara lenta mientras una cámara se mueve lentamente sobre él, Melancholia es una película inquietante y irremediablemente maravillosa –brutal, hermosa, honesta– y una de las mejores del siglo.
Credit Post By: BJ Thoray