En el debut como director de Adrian Chiarella, “Leviticus”, se realiza un exorcismo al revés.
La película de terror deriva su nombre del Libro bíblico de Levítico, que presenta una cita frecuentemente citada en la retórica homofóbica: “No te acostarás con varón como con mujer; es abominación”. Chiarella recuerda haber escuchado este versículo citado cuando tenía 13 años mientras asistía a una escuela religiosa en Australia.
“Como joven gay, sentí que las cosas iban mejorando cada vez más a medida que crecía, pero en esta última década sentí que las cosas estaban empezando a retroceder, particularmente en términos de mucha retórica bastante homofóbica en el espacio público y en el espacio político, y pequeñas microagresiones en el comportamiento cotidiano”, dijo Chiarella a TheWrap. “Quería hacer una película sobre eso”.
Chiarella sabe de primera mano cómo la retórica homofóbica se utiliza como arma contra la comunidad queer, intentando convencer a la gente de que su identidad es incorrecta, un demonio que necesita ser exorcizado. En “Levítico”, muestra este proceso a la inversa: a jóvenes homosexuales se les coloca un demonio. en ellos por un hombre de religión, con la esperanza de asustarlos y herirlos hasta que teman esta identidad. En la película, una mezcla de terror y mayoría de edad, esto lo experimenta un dúo romántico central formado por Naim (Joe Bird) y Ryan (Stacy Clausen).
“Quería hacer algo más personal, así que comencé a pensar en el tipo de películas que disfrutaba ver, a las que recurría cuando era adolescente y pasaba por estas experiencias, y eran películas de terror”.
La película de Chiarella, que debutó en Sundance y fue adquirida por Neon, llega en un buen momento para el terror, ya que debuts de terror similares como “Obsession” y “Backrooms” dominan gran parte de la conversación cinematográfica y de taquilla. Michael Johnston, estrella de “Obsession”, apareció recientemente en un vídeo con Bird y Clausen para declarar: “¡El terror ha vuelto!”
“Me siento muy afortunado de estar en este momento, pero esas dos películas son muy difíciles de seguir”, admitió Chiarella. “Creo que lo interesante es que estamos en un año en el que dos películas de terror realmente geniales han irrumpido en escena, y creo que hay otras películas de terror que tienen cosas diferentes que decir y están en un registro ligeramente diferente. Creo que estamos a punto de ver no sólo lo extraordinario que es este año en cuanto a terror, sino también lo diverso que es”.
Puede leer nuestra entrevista abreviada con Chiarella, a continuación:
¿Dónde empezó este proyecto para ti?
Empecé a desarrollar una película de terror donde el miedo (porque las películas de terror siempre tratan sobre el miedo) era la homofobia. Eso era lo que queríamos explorar en todos sus matices. Luego se me ocurrió la idea de un monstruo de película de terror, una entidad, que toma la forma de la persona que más te atrae, porque creo que gran parte de esta retórica y muchas de estas prácticas coercitivas que vemos en nuestra sociedad tienen como objetivo ahuyentarnos de nuestros sentimientos y de la forma en que nos identificamos.
Es una construcción realmente inteligente. Como decías, está creando miedo a la conexión. Las personas que son odiosas y las personas que se oponen a la identidad queer quieren hacerte sentir miedo. Háblame sobre inyectar eso en un monstruo de película y literalizarlo de esta manera.
El monstruo sólo emerge cuando estás solo. Ni siquiera puedes sentir el santuario de estar a solas con tus pensamientos y sentimientos. Eso es una gran parte, y la otra parte es que nadie más puede ver esta entidad excepto si les han puesto una maldición, porque una de las cosas más difíciles para los jóvenes queer es que sus padres, sus familias y la gente de sus comunidades tal vez no les crean. Piensan que este sentimiento, esta identidad es algo que se les ha inventado, o algo que tal vez les han impuesto otras personas.
Tienes a estos dos actores con una gran química que, durante los últimos dos tercios de la película, inquietan al público cada vez que comparten pantalla juntos. ¿Eso te inhibe de alguna manera?
Lo que ha sido interesante es que muchas personas que no se identifican como queer dijeron que tal vez comprendan un poco lo que se siente. Se sienten atraídos por la hermosa química entre Joe Bird y Stacy Clausen en la primera media hora de la película. Están muy emocionados cuando estos dos están juntos, y de repente tienen que experimentar esta ansiedad cada vez que los miran juntos. La sensación como espectador al ver una historia romántica se distorsiona repentinamente de esta manera, lo que quizás les da una sensación de empatía por lo que pasan algunas personas de la comunidad LGBTQIA+.
Esta película hizo algo en el marketing de Neon que nunca había visto antes: publicar una selección de escenas para que la gente creara cámaras de fans en Internet. Me preguntaba si podrías hablarme sobre eso y este fenómeno de las fan cams.
Es algo que vemos cada vez más entre una generación más joven de espectadores, pero creo que es algo que ha sido particularmente popular cuando se trata de historias de amor queer. Creo que cada vez que hay un romance queer en una película o serie de televisión, me he dado cuenta de que estas mezclas y ediciones de fans aparecen en línea. También obtienes fan art, fan fiction y todo ese tipo de cosas. El equipo de Neon y yo pensamos: Apoyémonos en eso y dejemos que la gente se vuelva loca y exprese su creatividad. Simplemente no esperaba que se lanzaran a ello incluso antes de que se estrenara la película. *risas* Es interesante, creo que también es solo un testimonio de la química de Joe y Stacy. Creo que incluso en los trailers y los pequeños clips que han salido, la gente ya puede ver lo fuerte que es eso y están muy apegados a eso.
Háblame sobre la importancia de que esos primeros 30 minutos desarrollen esa química. Esta ya no es una película de terror desde hace bastante tiempo.
Fue necesario calibrar, pulir y reelaborar mucho para encontrar ese equilibrio. En la etapa de guión, ciertamente lo hizo. Creo que el primer borrador no tenía ese prólogo en la ducha. Me tomó un par de borradores darme cuenta de que, si vamos a hacer que la audiencia espere tanto tiempo, hagamos algo para abrirnos con el tono hacia el que nos dirigimos. Incluso cuando entramos en la edición, hubo bastantes escenas más entre Joe y Stacy. Fueron escenas desgarradoras que tuve que dejar de lado porque eran increíbles, pero nos tomó demasiado tiempo llegar al corazón de la historia y entrar en el elemento de película de terror. Tuvimos una especie de arco completo en la primera media hora en el que se separaron y volvieron a estar juntos, y luego eso significó que la película se sentía como si tratara de algo más en lugar de hacia lo que nos dirigíamos, que es esta maldición que les han puesto.
¿De dónde viene esta idea del ‘Sanador de la Liberación’, como usted lo llama? Se siente como esta manifestación de estas personas arcaicas que existen, o incluso sabiendo que todavía existen campos de conversión.
Tuve muchas conversaciones con personas que han pasado por diversas prácticas como esta, y luego leí sobre los exorcismos que se realizan a adolescentes queer y pensé: Bueno, estoy haciendo una película de terror. Tal vez haga algo así como ‘El exorcista’. Pero cada iteración de esa historia parecía perpetuar el mito de que decían que existe una especie de demonio gay dentro de las personas. Entonces pensé, Bueno, ¿y si hay algo parecido a una de esas figuras de exorcistas, excepto que en lugar de sacarles un demonio, hace lo contrario? Él planta algo dentro de ellos. Entonces pensé, Bueno, ¿qué les planta dentro? Él va a plantar alguna semilla de miedo que los ahuyente de sus deseos.. Por eso existe esta mitología en torno a este hombre que tiene la “cura” mágica que puede salvar a sus hijos. Simplemente tendrá un costo. Por eso todo el mundo recurre a él.
NOTA: El resto de esta entrevista incluye SPOILERS de “Levítico”.
Uno de los mayores éxitos que la película tuvo entre mi audiencia fueron las sábanas dando vueltas, cuando te das cuenta de que Ryan no está hablando con nadie. Háblame sobre cómo dirigir ese momento.
Creo que cuando lo estaba escribiendo, pensé: ¿Dónde voy a hacer ese momento? Creo que lo que tal vez sí me inspiró fue que estaba pensando en mis influencias de terror, y como era un gran admirador de John Carpenter, recordé esa imagen en “Halloween” de él parado entre el tendedero. *risas* ¡La escena no se parece en nada a eso! Pero no lo sé, solo pensé en un tendedero, y esos elevadores de colinas son muy australianos. La escena anterior en el tendedero donde los chicos tiran piedras y se besan, en realidad era una ubicación mucho más ambiciosa que la que establecimos originalmente. Estaba como debajo de algunas vías de tren activas, y quería que la luz parpadeara cuando el tren pasara por encima. Simplemente no pudimos hacer que eso funcionara con el presupuesto que teníamos en términos de encontrar un espacio, así que decidimos montarlo allí, y luego terminó funcionando muy bien porque se convirtió en una especie de configuración y devolución de llamada.
Hay una revelación tan sombría hacia el final de esta película. Háblame sobre tomar esa decisión con su madre, interpretada por Mia Wasikowska.
Esta película trata sobre un monstruo, una entidad, que te hace pensar si realmente puedes confiar o no en la persona que te importa. Luego, en última instancia, supongo que lo que terminé haciendo con la película fue hacer una película que te haga preguntarte en quién puedes confiar en tu vida. Eso simplemente quedó integrado en el tema central.
Hay una dulzura en ella mezclada con esta horrible decisión que toma.
Quería explorar la homofobia en todos sus matices. Hay homofobia internalizada, hay homofobia externalizada y hay un tipo de homofobia que se presenta en la forma de personas que piensan e insisten en que lo hacen por protección, ¿sabes? “No soy realmente yo. Sólo te estoy protegiendo del resto del mundo”. Quería un personaje que el público tal vez subestimara un poco y no viera venir el cambio a mitad de la película. Luego, con ese final, lo intenté en borradores anteriores (por eso tuve productores tan maravillosos que me ayudaron con el guión), seguimos intentando darle este tipo de final redentor. Nunca se sintió cierto.
Creo que la verdad es que cuando los padres hacen pasar a sus hijos por experiencias como esta, la relación no se repara de la noche a la mañana. Parece un final bastante duro para Arlene y su hijo. La película se desarrolla en un espacio de tiempo muy corto y me gusta pensar que tal vez en algún lugar en el futuro haya un largo viaje hacia su reconexión. Pero creo que es un abismo bastante profundo el que ella ha creado.
Ese final, la nota que dejamos, no es una nota de resolución alguna.
En cada versión que había escrito, sabía que quería dar la sensación de que habían elegido permanecer juntos, pero que, como toda película de terror, en el cuadro final tienes una pequeña sensación de que tal vez el monstruo no esté realmente muerto. Cuando junté esas cosas, pensé: Bueno, eso funciona porque se tratará de que elijan permanecer juntos a pesar del trauma y las cicatrices de lo que han pasado. A pesar de lo que puedan haber interiorizado en su interior a partir de su experiencia.
Credit Post By: Casey Loving